Outre son effet sur l’exposition, le temps de pose que certains nomment vitesse d’obturation  a une incidence capitale sur l’esthétique des photos. Voyons ensemble comment fonctionne ce réglage et quelle valeur choisir pour obtenir l’effet escompté.

 © Pexels

Les anglophones le nomment shutter speed, ce qui explique sans doute pourquoi au lieu de temps de pose, beaucoup parlent de vitesse d’obturation. Il s’agit pourtant bien d’une durée et plus précisément de celle pendant laquelle l’obturateur de l’appareil photo reste ouvert pour exposer le film ou le capteur.

Ainsi, le temps de pose s’inscrit, avec l’ouverture du diaphragme et la sensibilité ISO, comme l’un des trois paramètres permettant de faire varier la densité des photos. Ils sont ce que l’on nomme communément les paramètres du triangle d’exposition. S’ils fonctionnent comme des vases communicants, un diaphragme fermé pouvant, par exemple, être compensé par une sensibilité élevée ou un long temps de pose, tous ont également une incidence sur l’esthétique des images. Le réglage du temps de pose va jouer sur la netteté ou le flou du mouvement.

Évitez les flous de bougé

Si le sujet de la photo est immobile, on pourra utiliser un long temps de pose tout en conservant une bonne netteté de celui-ci. Mais attention alors à ce que ce ne soit pas le photographe qui bouge pendant l’exposition : il provoquerait un flou de bougé sur l’image. On avait pour habitude de dire qu’avec un objectif de 300 mm, il ne fallait pas poser plus longtemps qu’1/300s alors qu’avec un 50 mm, il était encore possible d’obtenir une photo nette à 1/50s.

Cette règle a perdu de son intérêt depuis que les objectifs et les appareils numériques sont équipés de systèmes de stabilisation qui compensent les légers tremblements du photographe. Il est donc maintenant possible d’utiliser des temps de pose qui dépassent la seconde à main levée sans flou de bougé ! Au-delà, l’appareil devra être maintenu par un trépied.

Le flou cinétique

Si le sujet que l’on photographie est en mouvement, la durée d’exposition devra être choisie en fonction de l’effet escompté. Pour que le sujet soit bien net, utilisez un temps de pose suffisamment court. La valeur exacte dépendra de ce que vous photographiez : une Formule 1 en pleine course pourra exiger un temps de pose d’1/4000s alors qu’un marcheur en balade sera net dès 1/250s. Pour retranscrire les mouvements du sujet en photographie, il peut être au contraire judicieux d’employer un long temps de pose.

Pensez par exemple à la traînée lumineuse des phares d’une voiture la nuit. L’effet est beaucoup plus spectaculaire que si un court temps de pose en avait figé la position. On nomme cet effet le flou cinétique ou le flou de mouvement. La valeur de temps de pose dépend là encore du sujet, de sa vitesse et de l’importance que vous voulez donner au mouvement. Les trop longs temps de pose pourraient tout simplement faire disparaître votre sujet !

Enfin, songez que vous pouvez également conserver une netteté suffisante sur votre sujet tout en donnant une impression de vitesse en utilisant la technique du filé. Elle consiste à appliquer un long temps de pose et à suivre les déplacements du sujet pendant l’exposition. Ce dernier conservant la même position sur le capteur, il sera donc net. Alors que les mouvements du photographe produiront un flou de l’arrière-plan. Là encore, la durée appropriée dépend du sujet et de votre capacité à le suivre pendant l’exposition.

Pour atteindre son but, il n’y a pas d’autres solutions que d’essayer et de recommencer.

À l’EFET Photographie, les étudiants apprennent toutes les techniques de prise de vue, du reportage au studio, qu’ils mettent en pratique lors de séances dédiées. L’école propose différents cursus, du Bachelor en trois ans aux cours du soir, sur son campus parisien.

Proposé à l’enregistrement dans les appareils photo et les smartphones, le Raw correspond au format de fichier brut des capteurs. Il contient un grand nombre d’informations qui facilitent la postproduction en photo.

© Pexels

Plus que du format Raw, il faudrait parler des formats Raw. Car derrière ce terme générique sont regroupés de nombreux formats de fichier dont l’extension varie en fonction des marques. Ainsi, le format Raw des appareils Canon correspond à l’extension .cr2 ou .cr3 suivant les modèles. Celle de Nikon est le .nef, quand Sony exploite le .arw, Fujifilm le .raf, Panasonic le .rw2, OM System/Olympus le .orf, Pentax le .pef, etc. Le cas du .dng est un peu particulier puisqu’il s’agit d’un format Raw universel, le DNG pour Digital Negative, créé par l’éditeur américain Adobe pour faciliter les échanges et le traitement des images. Seulement quelques fabricants d’appareils photo comme Leica ou Pentax l’ont adopté dès la prise de vue, mais il est courant dans les smartphones.

Un format à interpréter

Pour bien comprendre ce que représente le format Raw, il convient de rappeler comment un capteur numérique enregistre les couleurs des images. N’étant capable de mesurer que des intensités lumineuses, chaque cellule photosensible du capteur se trouve surplombée d’un filtre coloré rouge, vert ou bleu. C’est après une opération nommée dématriçage que les informations complémentaires – rouge et verte pour la cellule coiffée d’un filtre bleu et réciproquement pour les autres -, sont calculées et permettent à chaque pixel de l’image d’être caractérisé par trois informations de couleur. Or le fichier Raw est créé avant cette opération de dématriçage. Pour chaque pixel, il ne contient donc qu’une information de couleur, ce qui en fait un format de fichier léger comparativement à un fichier dématricé comme le Tiff.

Une dynamique étendue

Parce qu’il contient toutes les informations reçues par le capteur au moment de la prise de vue et qu’il code chaque pixel sur 12 ou 14 bits suivant les appareils, le fichier Raw dispose d’une grande quantité de détails qui facilite le travail en postproduction. Son premier avantage réside dans sa grande dynamique qui permet en postproduction de retrouver des informations dans des zones surexposées et sous-exposées des images tout en conservant une bonne qualité globale. L’opération est intéressante si vous avez photographié une scène très contrastée ou si vous avez légèrement décalé votre exposition. Pour les mêmes raisons, le fichier Raw possède une grande marge de manœuvre en termes de saturations et de corrections couleurs. Ainsi, lorsqu’on photographie en raw, on peut également adapter son réglage de balance des blancs en postproduction sans perte de qualité.

Des logiciels dédiés

Le Raw n’a-t-il donc que des avantages ? Presque… Car pour interpréter un fichier Raw, il faut obligatoirement utiliser un logiciel dédié. Ce qui rajoute une étape chronophage au flux de travail. Tous les logiciels n’offrant pas la même qualité de traitement quel que soit le type de fichier Raw, il faut donc bien le choisir en fonction de son appareil. De plus, si le fichier Raw ne contient qu’une information couleur par pixel le rendant plus léger qu’un Tiff par exemple, son poids reste bien supérieur à celui d’une image compressée en Jpeg. Les fabricants ont beau développer des formats Raw compressés, la balance penche toujours du même côté. Cela explique pourquoi les photographes d’agence continuent de préférer le Jpeg pour envoyer rapidement des fichiers légers déjà interprétés à leurs rédactions.

L’EFET Photographie forme des étudiants au métier de photographe au travers de différents cursus, du Bachelor en trois ans aux cours du soir en passant par le Bachelor intensif en un an. Toutes les formations comprennent des cours théoriques et pratiques.

Plus rapide et parfois plus précis qu’une mise au point manuelle, l’autofocus peut néanmoins être source de frustration s’il n’est pas correctement paramétré. Voyons les différents réglages possibles pour s’assurer d’une mise au point parfaite en toutes situations.

© Pexels

L’autofocus tel qu’il existe sur les appareils modernes fonctionne en deux étapes. Il commence par une analyse de la distance du sujet par l’appareil photo avant que ne soit actionné, dans l’objectif, le moteur en charge du déplacement des lentilles qui assurent la mise au point.

La première chose à considérer lorsqu’on utilise l’autofocus est donc la zone de l’image dans laquelle l’appareil doit réaliser sa mesure. Elle ne peut se faire qu’au niveau d’un des collimateurs du système. En visée optique avec un reflex, ils sont réunis dans une zone centrale, alors que ces points d’analyse sont répartis sur pratiquement toute la surface du capteur en visée Live View ou avec un appareil hybride.

Les modes de zones

Si tous les modèles d’appareil ne proposent pas exactement les mêmes options de sélection, leur principe reste semblable. En choisissant par exemple une zone qualifiée de Point unique, vous allez réduire la zone autofocus active à une toute petite surface qui peut être d’un seul collimateur. Plus elle est faible, plus vous agirez avec précision en évitant que la mise au point ne puisse se faire ailleurs que dans la zone sélectionnée. Mais si cette zone manque de lumière ou de contraste, l’autofocus pourrait avoir plus de mal à fonctionner.

Si vous choisissez une zone plus large, vous aurez donc plus de chance que la mise au point se fasse rapidement. Vous prendrez cependant aussi le risque que le collimateur sélectionné ne soit pas celui que vous vouliez. La mise au point pourrait, par exemple, se faire sur le premier plan quand vous l’auriez voulu sur un sujet au loin. En plus du mode Point unique dont il est généralement possible de modifier la taille, les appareils propose donc différentes formes et tailles de zones regroupant plusieurs collimateurs, jusqu’à un mode exploitant tous les collimateurs disponibles.

Une fois le type de zone choisi, vous pouvez ensuite spécifier son emplacement dans le champ en la déplaçant à l’aide du joystick à l’arrière, de l’écran tactile ou des touches de l’appareil. Les appareils les plus récents proposent également la détection automatique de multiples sujets comme les yeux des humains, les animaux ou les véhicules. Ces modes offrent une grande précision en choisissant automatiquement le sujet que vous aurez spécifié, quelle que soit sa position dans l’image. Ils sont également très utiles en autofocus continu pour suivre un sujet en déplacement.

AF-S ou AF-C

L’autre point essentiel consiste à définir le mode de fonctionnement de l’autofocus. En AF-S, AutoFocus Single, ou One Shot chez Canon, une pression à mi-course sur le déclencheur de l’appareil photo ou sur la touche AF-On va activer l’autofocus qui maintiendra ensuite sa position jusqu’au déclenchement. Dans ce mode, vous pouvez donc décider de faire la mise au point sur une zone de l’image puis modifier votre cadre sans changer la distance de mise au point. C’est le mode à privilégier lorsque vous photographiez un sujet fixe et que vous souhaitez vous assurer que la mise au point ne se décale pas au moment de la prise de vue.

Mais si votre sujet est en mouvement, il pourrait s’être déplacé entre l’appui à mi-course et le déclenchement et être flou. Dans ces conditions, il faut utiliser le mode AF-C, AutoFocus Continu, ou AI Servo chez Canon. Comme précédent, la sollicitation du déclencheur à mi-course ou de la touche AF-On va activer l’autofocus qui continuera en revanche son analyse tant que la touche est maintenue enfoncée. Vous suivrez donc le sujet et vous assurerez d’une juste mise au point au moment du déclenchement.

Si vous avez choisi une zone Point unique, l’autofocus ne se fera que sur le collimateur sélectionné alors que si vous avez choisi une zone plus large, il changera automatiquement de collimateur pour suivre un sujet qui se déplace de manière latérale ou diagonale dans l’image.

L’EFET Photographie propose des formations complètes qui abordent aussi bien l’histoire de la photographie et l’analyse d’image que les notions techniques nécessaires à une parfaite maîtrise du matériel photo.

Le 8 juin 1972, voilà cinquante ans, la guerre du Viêt-Nam fait rage. À Tran Bang, un petit village à proximité de Saigon, des enfants jouent. Soudain, des bruits d’avion, une explosion, de la fumée : la peur et l’horreur s’installent. En une fraction de seconde, leur vie bascule. Le photographe Nick Ut assiste à la scène et immortalise la fuite désespérée de la petite Napalm Girl, photographie devenue mythique, qui restera dans les mémoires de tous.

© Creative Commons 

La petite fille au Napalm

Sur cette photographie intitulée « la terreur de la guerre », on voit une petite fille en pleurs, Phan Thi Kim Phuc, fuir en compagnie d’autres enfants. Au premier plan, on distingue son frère, terrorisé lui aussi. Les vêtements de la fillette se sont enflammés, elle court nue, implorant de l’aide. On lit sur son visage la douleur infligée par les brûlures au Napalm.

En un instant, la vie du photographe Nick Ut changera à tout jamais. Il est alors âgé de 21 ans, et porte secours aux enfants en les emmenant dans l’hôpital le plus proche. La petite fille sera sauvée et deviendra une ambassadrice de la paix à travers le monde, connue de tous en tant que Napalm Girl.

Napalm girl de Nick Ut : une photo iconique

Nick Ut est un photographe américano-vietnamien qui travaille pour une agence de presse américaine, Associated Press. Il couvre alors la guerre du Viêt-Nam, durant cette offensive surnommée « l’été de feu et de sang ».

Devant cette scène d’horreur, il déclenche son Leica M2 dans lequel il a chargé une pellicule Kodak Tri-X 400. Dès le lendemain, la photo Napalm Girl fait la une des quotidiens dans de nombreux pays. En 1973, le photographe a reçu le prix Pulitzer pour ce cliché.

Cette image porte en elle tant d’émotions qu’elle est devenue une icône du photojournalisme. Avec son boîtier, Nick Ut a su percevoir la détresse des victimes civiles de la guerre et la montrer au monde entier.

L’influence des reporters-photographes sur l’opinion publique

Cinquante ans plus tard, la photo Napalm Girl continue à faire le tour de la planète. La puissance du message qu’elle fait passer continue d’interpeller l’opinion publique mondiale, qui ne peut rester insensible face aux visages terrifiés de ces enfants.

Les horreurs de la guerre, le massacre de victimes innocentes, l’absurdité de la violence restent malheureusement d’actualité de nos jours.

Une photo ne peut sûrement pas arrêter une guerre. Mais elle peut contribuer à changer le monde. C’est ce que la Napalm Girl de Nick Ut a fait et continue de faire en dénonçant les atrocités des conflits armés.

C’est tout le pouvoir des images de presse.

Le photojournalisme est un des nombreux débouchés pour les photographes professionnels.

Pour apprendre à déclencher l’obturateur au bon moment, il est important de suivre une formation en photographie. L’EFET Photographie, vous propose un enseignement de qualité pour maîtriser les bases de l’art photographique. À travers un bachelor en photographie ou une formation professionnelle continue, vous apprendrez la maîtrise technique indispensable pour réussir à révéler l’émotion dans les images. La photographie deviendra un mode d’expression naturel, à travers lequel vous pourrez faire passer des messages qui vous tiennent à cœur.

Né en 1912 et décédé en 1994, Robert Doisneau a marqué le monde de la photographie française et internationale. Qu’est-ce qui distingue le travail de cet artiste et quels sont les grands moments de son parcours professionnel ?

© Libre de droit licences CCO 

Robert Doisneau : un symbole de la photographie française

Robert Doisneau fait partie des photographes français les plus connus. Son œuvre reconnue a reçu de nombreux prix, comme le Prix Kodak (1947) ou encore le Grand Prix National de la Photographie en 1983.

Robert Doisneau travaillait en majeure partie dans le Paris de l’après-guerre et pendant les 30 glorieuses. Ses clichés ont pour sujets les artisans, les troquets de quartier, les enfants des rues, les balayeurs, etc. Pendant près de 50 ans, il capturera des milliers de portraits des petites-gens de la capitale. Dans son travail, Robert Doisneau s’inspire du courant réaliste de la Nouvelle Objectivité, qui vise à une représentation réaliste et sans artifices de la réalité. On note d’ailleurs dans ses choix de prises de vues et de cadrages une certaine distanciation avec ses sujets.

C’est le photographe français le plus connu à l’international, notamment grâce à son cliché « Le Baiser de l’hôtel de ville ». Ses photographies exportent à l’étranger l’ambiance de Paris et rencontrent un franc succès dans une période de renouveau d’après la guerre.

Le travail de Robert Doisneau est éclectique et ses photographies provoquent des émotions très diverses chez les spectateurs. Par exemple, le cliché La Voiture Fondue (1944) capture des enfants jouant sur les restes d’une auto détruite par les bombardements. Certains en ressentiront de la nostalgie, d’autres y verront une critique de la guerre.

Quel est le parcours professionnel de Robert Doisneau ?

Issu d’une famille bourgeoise, Robert Doisneau étudie à l’école Estienne les arts graphiques et est initialement diplômé en gravure et lithographie. Ses talents de calligraphie lui valent d’ailleurs de fabriquer des faux-papiers pour les résistants français sous l'occupation allemande. Après avoir travaillé dans un atelier parisien en tant que calligraphe, il s’initie à la photographie aux côtés de Lucien Chauffard.

C’est en 1932 que Robert Doisneau commence son parcours de journaliste-reporter, en vendant son premier reportage photo à l’Excelsior. Il est ensuite embauché comme photographe industriel pat le constructeur Renault, chez qui il exercera jusque 1939.

Il devient ensuite photographe indépendant et réalise des reportages sur des sujets divers et variés : actualité, étranger, vie des élites parisiennes, etc. Il est alors publié dans les plus grands magazines du moment : Life et Paris Match entre autres.

Grâce à l'enseignement de haut niveau académique de l’EFET Photographie , les étudiants de son Bachelor Photographie apprennent tout des plus grands photographes internationaux : Robert Doisneau, Anne Leibovitz, Henri Cartier-Bresson ou encore Steve McCurry et Helmut Newton. Découvrir les parcours de vie et les étapes du développement professionnel de ces grands noms est une source d’inspiration et de motivation pour les étudiants.

Connaître le parcours de Robert Doisneau, c’est ajouter une brique indispensable à la construction d’une solide culture en art de la photographie.