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Quels filtres utiliser en photo ? 

Le numérique a changé de nombreuses habitudes en photographie, à commencer par celle qui consistait à utiliser devant l’objectif des filtres de couleur, remplacée par le réglage de la balance des blancs. En revanche, certains filtres optiques restent toujours aussi utiles. 

On entend par filtre optique, des filtres en verre que l’on place devant l’objectif pour modifier les rayons lumineux qui le traversent. Ces filtres étant placés juste devant l’objectif, ils ont une incidence sur la qualité d’image. Il est donc important qu’ils soient fabriqués avec un verre de qualité qui permettra de conserver une bonne résolution optique. Ils vont avoir différents effets sur l’image. 

Les polarisants 

Les filtres polarisants agissent sur les rayons lumineux d’une direction donnée et servent à supprimer les reflets sur des surfaces non métalliques. Il peuvent ainsi supprimer les reflets à la surface de l’eau ou sur une vitre et sont également utilisés en paysage pour apporter plus de saturation au ciel ou à la végétation. Leur effet ne peut pas être simulé de manière numérique, ce qui les rend toujours aussi utiles aujourd’hui. Comme ils agissent dans une direction donnée, ce sont toujours des filtres circulaires, montés sur une bague qui permet leur rotation. Leur effet est visible immédiatement dans le viseur. 

Les filtres de densité neutre 

Lorsque la lumière ambiante est trop forte, il est impossible d’utiliser de longs temps de pose sans surexposer son image. À moins de placer devant l’objectif un filtre de densité neutre donc le rôle est de diminuer la quantité de lumière qui le traverse sans modifier la colorimétrie des images. Ces filtres sont utilisés en photographie pour accéder à de très long temps de pose mais sont surtout très utiles en vidéo où le choix d’un temps de pose approprié à un rendu satisfaisant des mouvements est très restreint. En vidéo, on utilise donc souvent des filtres de faible densité, ND2, divisant par deux la quantité de lumière, ND4, par quatre, etc. quand on préfère généralement les très fortes densités en photo, ND512, ND1000, etc. Certains appareils proposent de simuler le même effet. Mais à part quelques exceptions, l’opération est logicielle et plus limitée dans son amplitude qu’avec des filtres optiques. On trouve également sur le marché des filtres neutre à densité variable (ND variable). Ce sont en pratique deux filtres polarisants qui inclinés différemment l’un par rapport à l’autre prennent différentes densités. 

Les dégradés 

Si les filtres précédemment cités agissent de la même manière sur toutes les zones de l’image, il existe également des filtres dont les effets varient en fonction de leur position. Ce sont les filtres dégradés, également appelés filtres gradués, qui peuvent présenter des variations circulaires ou longitudinales avec des transitions plus ou moins douces. Le plus souvent, ce sont des filtres de densité neutre qui n’agissent que sur certaines zones de l’image. Mais il en existe également de couleur. S’il est parfaitement possible de produire des filtres dégradés circulaires qui se vissent sur l’avant de l’objectif, ce sont le plus souvent des filtres rectangulaires que l’on place dans un porte-filtre et dont on peut ajuster la position dans l’image pour faire coïncider leur zone de transition avec l’horizon par exemple.  

Les filtres spéciaux 

Il existe par ailleurs d’autres types de filtres aux effets moins marqués ou plus spécialisés. Les filtres UV ou filtres de protection n’ont pas d’effet sur l’image mais se placent devant l’objectif pour protéger la lentille frontale d’un choc qui pourrait l’endommager. Les photographes qui pratiquent la photographie sous UV ou en infrarouge peuvent également utiliser des filtres qui vont couper toutes les autres radiations pour ne transmettre que celle des longueurs d’onde données. Sur le même principe, les filtres anti-pollution lumineuse suppriment les radiations jaune-rouge des éclairage nocturnes et sont utilisés par les astrophotographes. Enfin, les filtres Soft Focus ou Mist sont quant à eux utilisés en vidéo pour adoucir l’image et lui donner un rendu plus cinématographique.  

Outre la parfaite maîtrise de leur appareil photo, les étudiants de l’école EFET Photographie apprennent à manier les lumières artificielles et tous les accessoires nécessaires à la production de photographies de qualité professionnelle. L’école propose différents cursus, dont deux aboutissent à l’obtention d’un Bachelor Photographie, un diplôme de niveau 6 reconnu par l’État. Le recrutement se fait hors Parcoursup, sur dossier et entretien préalable. 

 Également nommés multiplicateurs de focale, les téléconvertisseurs sont des accessoires optiques qui se placent entre l’objectif et l’appareil photo. Il en existe de plusieurs sortes, mais leur principe de fonctionnement est toujours le même. 

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Étendre la portée d’un objectif en accroissant sa focale est la fonction première des téléconvertisseursque l’on trouve aux catalogues de leurs fabricants sous le sigle TC ou sous l’appellation Extender. Ces accessoires sont des systèmes optiques divergents composés de plusieurs lentilles qui ont pour effet de réduire l’angle de champ embrassé par un objectif et donc d’accroître sa focale. D’où leur appellation de « multiplicateurs de focale ». D’ailleurs, ils sont systématiques désignés par leur coefficient de correction. Un TC 1,4x associé à un objectif de 200 mm de focale permettra de profiter d’une focale de 280 mm quand le même objectif associé à un TC 2x donnera un 400 mm. Leur principal avantage est d’être beaucoup moins chers qu’un objectif additionnel,comptez 300 à 700 € suivant les modèles, en plus d’être beaucoup moins encombrants et lourds. S’ils augmentent la focale de l’objectif, les téléconvertisseurs ne changent pas la couverture optique du capteur. À la différence d’un recadrage, ils permettent donc d’en exploiter toute la définition d’image. 

Quelle différence entre résolution et définition ?

Perte de lumière associée 

Si leur bloc optique a pour effet de modifier la focale de l’objectif, il a en revanche aussi des conséquences sur l’ouverture maximale. Pour comprendre ce phénomène, il faut revenir à la formule utilisée pour désigner l’ouverture du diaphragme. Elle se note f/n où f est la focale de l’objectif et n le nombre d’ouverture. Cette formule désigne le diamètre réel de la pupille d’entrée d’un objectif, le plus petit trou par lequel passe la lumière, généralement le diaphragme. Comme un téléconvertisseur augmente la focale de l’objectif mais ne modifie pas le diamètre de la pupille d’entrée, le nombre d’ouverture diminue. D’un coefficient identique à celui par lequel est multipliée la focale de l’objectif. Ainsi, un 300mm f/2,8 associé à un TC 2x devient un 600 mm f/5,6. Le nombre d’ouverture a été multiplié par deux, ce qui correspond à une perte de deux valeurs de diaphragme. Un TC 2x fait toujours perdre deux diaph d’ouverture maximale à l’objectif auquel il est associé. Le même objectif que l’on monterait avec un TC 1,4 deviendrait donc un 420mm f/4. La perte d’ouverture engendrée par un TC 1,4x est d’un diaph. Un TC 1,7x provoque quant à lui une perte d’ouverture d’1,5 diaph. Utiliser un téléconvertisseur n’est donc pas sans conséquence sur les paramètres d’exposition que l’on peut utiliser en pratique. Ils imposent de recourir à des temps de pose plus longs ou à des sensibilités plus élevées. 

Comment gérer le temps de pose en photo ? 

Les combinaisons possibles 

S’ils ne sont généralement pas utilisés à cet effet en raison de la perte d’ouverture engendrée, les téléconvertisseurs ont aussi une conséquence sur le grandissement maximum des objectifs. L’explication est toujours la même : ils augmentent la focale mais ne changent pas la distance minimale de mise au point. Le grandissement résultant sur l’image est donc supérieur. Néanmoins, en macro, on leur préfère les bagues-allonges, optiquement neutres et donc sans diminution de l’ouverture maximale. Comme elles, les téléconvertisseurs sont toujours conçus pour associer des objectifs et des appareils équipés des mêmes montures. Ce ne sont donc pas des bagues d’adaptation. Ils sont disponibles aux catalogues des fabricants d’appareils photo, pour leurs montures reflex et pour leurs montures hybrides. Certains ont même développé des objectifs déjà équipés de téléconvertisseurs : via un levier, on peut placer ou non l’accessoire sur le trajet des rayons lumineux qui traversent l’objectif. Enfin, notez que tous les objectifs ne sont pas compatibles avec les téléconvertisseurs. Ces accessoires comportent un bloc optique saillant qui doit pouvoir s’insérer à l’intérieur de l’objectif. Seuls certains zooms ou focales fixes le permettent. Il faut donc consulter leur fiche technique pour vérifier cette compatibilité. 

En complément d’un enseignement pratique varié, l’école EFET Photographie dispense de nombreux cours théoriques aux élèves, de sorte qu’ils possèdent toutes les clés pour comprendre les principes de fonctionnement de leurs matériels. 

Retoucheur, un partenaire dans l’ombre des photographes 

Bien que le numérique ait permis à de nombreux photographes de s’occuper eux même de tâches qu’ils confiaient auparavant à leur laboratoire, la retouche photo reste une affaire de spécialistes. 

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Le terme de retouche photo est à la fois vague et très complet puisqu’il inclut toutes les tâches qui consistent à modifier une photo en postproduction. L’application d’une courbe de contraste, les ajustements chromatiques ou la suppression des poussières du capteur pourraient donc déjà être considéréscomme de la retouche de photo étant donné que ces opérations consistent à modifier les valeurs des pixels de l’image. Elles sont le plus souvent opérées par les photographes eux-mêmes, pour des questions de coût mais aussi parce que les outils modernes ont simplifié ce travail qu’ils sont donc nombreux à maîtriser et à appréciereffectuer pour conserver une parfaite maîtrise du rendu final de leurs photos. Ce qui n’empêche pas que pour gagner du temps, certains photographes confient aussi cette tâche à des retoucheurs.  

Des spécialistes 

Néanmoins, le savoir-faire spécifique des retoucheuses et des retoucheurs s’exprime réellement sur des tâches plus complexes de photomontages, de détourages, de travail sur les textures de peau, de cheveuxou d’assemblage d’images multiples avant d’opérer un rééquilibrage des lumières et des corrections sélectives de couleurs. Photoshop, le plus ancien des logiciels de retouche est aujourd’hui encore leur principal outil de travail. Mais beaucoup apprécient de pouvoir opérer les premiers changements sur des fichiers Raw, depuis Capture One par exemple, quand d’autres emploient également des logiciels spécialisés dans l’image 3D. Car bien souvent, les retoucheurs sont spécialisés dans un domaine particulier. La restauration de photographies anciennes, la photo d’automobiles, la publicité, la mode ou la beauté sont les secteurs où ils sont le plus demandés. S’ils sont rarement photographes eux-mêmes, les retoucheurs se doivent d’avoir de bonnes connaissances en photographie et en gestion de la lumière et une grande sensibilité à l’image, aux couleurs et aux détails. 

Peu de noms connus  

D’ailleurs, un photographe confie rarement ses photos à n’importe quel retoucheur. En plus d’attendre de lui une grande rigueur, il apprécie de travailler avec quelqu’un dont l’univers lui correspond et qui saura retranscrire de manière subtile ses intentions photographiques. La relation entre le photographe et son retoucheur est en cela assez semblable à celle qui, au temps de l’argentique, unissait le photographe à son tireur. Pourtant, les photographes qui mettent en avant le travail accompli par leur retoucheur sont rares. Et bien que le résultat final soit le fruit d’une collaboration, l’œuvre est toujours attribuée au photographe. Les retoucheurs sont donc souvent des travailleurs de l’ombre, salariés de sociétés reconnues dans le domaine de la postproduction ou de services dédiés à l’image ou même des indépendants qui travaillent en direct avec des photographes. 

De la prise de vue à l’impression en passant par la retouche, les étudiants de l’école EFET Photographie abordent toutes les étapes de l’élaboration d’une photographie. Ils acquièrent au fur et à mesure de leur formation tout le savoir-faire nécessaire pour travailler en autonomie mais aussi pour s’entourer des bons partenaires de travail. 

L'histoire de la photographietémoigne de l'évolution de l'art visuel à travers les époques. Depuis ses modestes débuts au 19e siècle jusqu'à son omniprésence dans la société contemporaine, la photographie a traversé les époques. Elle nous aide dans notre manière de voir et de comprendre le monde qui nous entoure.  Dans cet article nous allons découvrir les origines de la photographie et les principales étapes de son développement.Nous parlerons des moments clés qui ont marqué cette discipline artistique incontournable. 

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 Les débuts de la photographie  

Au 19e siècle, des pionniers visionnaires ont imaginé et persévéré pour donner naissance à la photographie.De Nicéphore Niépce, qui a réalisé la première photographie permanente en 1826, à Louis Daguerre, dont l'invention du daguerréotype a révolutionné le monde de l'image en 1839, cette période a été marquée par des avancées technologiques spectaculaires. Ces premiers succès ont ouvert la voie à une popularisation rapide de la photographie, permettant à un nombre croissant de personnes d'accéder à cet art autrefois réservé à une élite restreinte.  

La photographie au 20e siècle  

Le 20e siècle a été le théâtre d'une expansion sans précédent de la photographie. Des appareils photo plus compacts et accessibles ont rendu cet art accessible à un public plus large, tandis que les progrès technologiques ont permis des avancées majeures dans la qualité et la précision des images. Cette période a également vu l'émergence de nouvelles formes de photographie : du documentaire au photojournalisme en passant par l’artistique. Des événements historiques aux mouvements culturels, la photographie a été témoin et acteur des grands bouleversements du siècle.  

La photographie, pilier de la culture visuelle au 21e siècle 

L’histoire de la photographie est un témoignage de l'ingéniosité humaine et de la capacité de l'art à évoluer avec le temps. Des premières expérimentations au daguerréotype du 19e siècleaux avancées numériques du 21e siècle, la photographie a suivi un parcours, façonnant notre perception du monde et notre mémoire collective. Au fil des décennies, elle est devenue bien plus qu'un simple moyen de capturer des images ; elle est devenue un langage universel, un moyen de raconter des histoires, de partager des émotions et de préserver la mémoire de notre humanité. Aujourd'hui, alors que la photographie continue d'évoluer et de se réinventer, elle reste un pilier essentiel de notre culture visuelle, nous invitant à voir le monde avec un regard neuf. 

EFET Photographie enseigne aux étudiants l’histoire de la photographie afin de comprendre toutes les étapes de son évolution.  

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Qu’est-ce que le light painting ? 

Et si au lieu de servir à éclairer un sujet, la lumière était elle-même le sujet ? C’est un des courants de la technique de prise de vue que l’on nomme le light painting et qui consiste à dessiner avec de la lumière sur des photographies. 

Si le light painting a connu un renouveau avec l’avènement du numérique, la technique est en réalité presque aussi vieille que la photographie. Le premier « light painter » de l’histoire serait Étienne-Jules Marey qui en 1882 écrivait à l’Académie des Sciences : « Je pris un bâton noir terminé par une boule blanche, et je l’agitai en marchant devant l’écran, de manière à tracer successivement toutes les lettres de mon nom ; ma signature se trouva distinctement écrite sur la plaque photographique ». Ce que le photographe français réalise à l’époque correspond au courant que l’on nomme lightdrawing (dessin de lumière). Il consiste à utiliser une pose longue et, pendant l’exposition, à déplacer une source de lumière dirigée vers l’objectif. Ces traînées lumineuses vont peu à peu s’inscrire sur l’image et former un mot ou un dessin suivant le tracé réalisé. C’est l’interprétation la plus courante du light painting dont l’autre courant consiste, toujours pendant un long temps de pose, à éclairer avec des sources de lumière mobiles un sujet plongé dans l’obscurité. Cette technique reprend alors littéralement l’appellation de light painting puisqu’elle consiste à peindre avec de la lumière, qui peut être colorée ou non, certaines zones du sujet. Le photographe qui s’est le plus illustré dans ce domaine est Michel Séméniako dont les travaux sont visibles sur le site www.michel-semeniako.com. 

Comment gérer le temps de pose en photo ? 

https://www.efet-photo.fr/actualites/19012023-comment-gerer-le-temps-de-pose-en-photo 

La technique 

Pour réaliser une photo en light painting, il faut un appareil photo équipé d’un mode manuel ou d’un réglage permettant d’atteindre de très longs temps de pose, un trépied pour assurer une bonne stabilité de l’appareil et une source de lumière portable comme une lampe de poche ou un bâton lumineux que l’on pourra recouvrir de gélatine colorée si on le souhaite. Pour que la lumière apportée à la prise de vue apparaisse sur l’image, il faut sélectionner des paramètres d’exposition assurant une sous-exposition de l’image ou photographier dans l’obscurité. On choisira donc une faible sensibilité, garante d’une bonne qualité d’image, une valeur d’ouverture de diaphragme plutôt faible et un long temps de pose. Plus le temps sera long, plus vous aurez le temps de balayer la scène avec votre lumière. Les poses B et T qui permettent de gérer à loisir le temps d’exposition sont particulièrement appropriées pour cet exercice tandis que l’usage de la fonction retardateur ou d’un déclenchement à distance via un smartphone apporte plus de confort. Il ne reste alors plus qu’à balayer la scène avec sa lampe de poche pendant l’exposition. Pensez que si vous voulez écrire un mot sur votre image, il faudra l’écrire en miroir de manière à ce qu’il s’affiche à l’endroit sur l’image ! Si votre premier essai n’est pas concluant, ne vous découragez pas. La technique semble simple mais elle demande souvent plusieurs essais avant d’être parfaitement maîtrisée. 

Comment fonctionnent les modes PSAM ? 

https://www.efet-photo.fr/actualites/02022023-comment-fonctionnent-les-modes-psam 

En apportant aux étudiants un cadre éducatif complet reposant aussi bien sur des bases techniques qu’une ouverture aux différentes tendances de la photographie, l’école EFET Photographie s’attache à accompagner chaque élève dans la découverte et l’approfondissement de son univers personnel. L’école propose des cursus diplômants, des cours à temps partiel et des séminaires. 

Prendre une photographie consiste à déclencher au moment opportun mais aussi à cadrer de manière à mettre en valeur son sujet et à créer une dynamique dans l’image. Parmi les règles de composition, il existe ce que l’on a pour habitude de nommer la règle des tiers. 

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La règle des tiers  

Si elle vaut pour la photographie, la règle des tiers ne lui est pas propre. Elle est aussi utilisée dans de nombreux domaines comme la peinture ou le graphisme où elle consiste à créer un équilibre de composition qui met naturellement en valeur un sujet et son environnement. Son concept repose sur le tracé mental surune image de deux lignes horizontales et de deux lignes verticales conduisant à la création de neuf sections égales et de quatre intersections constituant quatre points d’intérêt particulier. 

Des points forts 

Cette règle est utilisée pour rompre la monotonie d’une composition trop symétrique dans laquelle le sujet se trouverait toujours au centre et où une même importance serait donnée au haut et au bas de l’image ou à sa partie gauche et à sa partie droite. En paysage, par exemple, placer l’horizon au tiers supérieur de l’image permet de donner plus d’importance au sol, à une plaine fleurie, à une côte rocheuse, etc. tandis qu’un horizon placé sur la ligne des tiers inférieure mettra plus en valeur un ciel chargé, nuageux, chatoyant ou étoilé. Il en va de même pour un portrait d’une personne photographiée au format paysage. Positionnée au centre, l’attention est portée sur le sujet mais l’environnement n’est pas mis en évidence et le regard ne saura pas où se porter ensuite. Alors que placé sur la ligne des tiers à gauche ou à droite de l’image, vous mettrez en valeur votre sujet mais aussi l’environnement. Le regard du spectateur se portera en priorité sur le sujet, puis sur la zone la plus largement décrite de votre image. Une telle composition donnera donc une direction à la photographie. Outre les lignes, les intersections ont également leur importance : le visage placé à l’intersection de deux lignes des tiers attirera plus le regard. Et cela vaut aussi pour des natures mortes et pour tout autre sujet que l’on souhaite mettre en valeur. 

Des règles que l’on peut enfreindre 

Pour vous aider à composer, il y a fort à parier que votre appareil propose dès la visée de superposer à votre image des lignes qui vous serviront de guide. Affichez-les pour vous entraîner à composer en utilisant la règle des tiers. Vous pouvez faire de même en postproduction en recadrant votre photo de manière à placer votre sujet sur l’un des quatre points d’intérêt constitués par le croisement des lignes des tiers. Cet exercice est intéressant pour comprendre combien la composition modifie le message porté par une image et combien il participe à sa dynamique. Néanmoins, la règle des tiers ne saurait être la seule règle qui s’impose, ni même un gage de réussite. Elle est une méthode dont il faut aussi savoir s’éloigner quand le sujet s’y prête. Il est donc important de la considérer comme une option parmi d'autres techniques de composition et de choisir celle qui convient le mieux à votre intention artistique. Expérimentez et soyez créatif pour créer des images visuellement captivantes. 

Chaque photographe développe sa vision personnelle avec le temps et à force d’expérimentation. Au-delà des règles de base et d’une approche théorique, l’école EFET Photo accompagne donc ses élèves dans la recherche de leur style personnel, celui avec lequel ils seront le plus à même de s’exprimer. 

Au départ de toute création artistique, il y a une idée, un concept, et une réflexion autour des moyens que l’on va mettre en place pour la réaliser. Ce sont les tâches de la directrice ou du directeur artistique qui travaille souvent en relation avec les photographes. 

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Les caractéristiques du métier de directeur artistique 

Le métier de directeur artistique, DA, s’exerce dans de nombreux domaines de création, qu’ils soient sonores ou visuels et peut donc concerner le cinéma, la télévision, la musique, la mode, les jeux vidéos, etc. Un DA possède donc avant tout des compétences dans le domaine qu’il dirige mais également des qualités d’écoute et de management. Il doit être en mesure de retranscrire les attentes de son client pour leur donner vie et de diriger une équipe de collaborateurs qui vont mettre ses idées en pratique. Il n’est donc pas rare que sur de gros projets plusieurs directeurs artistiques collaborent. 

De la conception à la gestion 

Le directeur artistique est responsable de la conception visuelle d'un projet qu’il développe en accord avec la vision et les objectifs du client ou de l'entreprise. Il établit un « brief » créatif et un « moodboard » qui tiennent compte des attentes du client et des contraintes de réalisation. Le DA va sélectionner les éléments visuels, les couleurs, le style graphique, le type d’images à même de transmettre le message voulu et va ensuite guider les équipes créatives pour le réaliser. C’est donc le chef d’orchestre d’un projet artistique. Il s’occupe de la partie créative mais aussi technique du projet et gère très souvent la planification de manière à respecter les délais demandés par le client. 

Sa relation avec les photographes 

Directeur artistique et photographe travaillent main dans la main pour donner vie à la vision créative du premier. Le DA explique ses idées au photographe, lui fournit généralement des roughs et discute du concept pour s’assurer que le photographe respectera l’esthétique du projet. Ce qui n’empêche pas que le photographe joue un rôle d’interprétation en apportant ses connaissances techniques pour concrétiser les idées du DA. La relation entre ces deux personnes ne se cantonne pas aux préparatifs et il est fréquent que le DA assiste ensuite aux séances de prises de vue, participant aux décisions de poses, de lumière ou de stylismes et à l’editing pour sélectionner les photos qui seront retenues pour le projet. Il peut également donner des conseils et des directives sur les retouches et la chromie des images. La communication entre le photographe et le DA doit être continue et fluide pour qu’ensemble ils affinent la réalisation visuelle du projet. Une collaboration réussie dépend donc de la flexibilité et de la confiance mutuelle. 

Parfois un même métier 

Sur des projets de moindre envergure, il n’est pas rare que le photographe doive lui-même exercer le rôle de directeur artistique en établissant avec son client l’identité visuelle de son projet et en réalisant le brief de départ, la liste des moyens techniques à mettre en œuvre et la post–production appropriée. C’est pourquoi au-delà de l’enseignement technique de la photographie, l’école EFET Photographie insiste sur tous ces aspects auprès de ses élèves qu’elle souhaite rendre les plus autonomes et compétents possibles. L’école propose plusieurs cursus dont deux débouchent sur l’obtention d’un Bachelor, un diplôme de niveau 6 reconnu par l’état et certifié par le Ministère du travail.